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Abstract
Pour conclure, notre étude aboutit à ce que, la scène théâtrale francophone a réussi à présenter une vision presque réelle de l’état douloureux en Algérie et à Haïti, pendant et après la colonisation française, à travers la plume fidèle de Yacine et Césaire .nous avons aussi démontré que les deux dramaturges recourent aux matières historiques et politiques afin de créer un propre drame capable de transporter une image flagrante dans une expression visuelle, gestuelle et tragique de la réalité sociale et politique de leurs sociétés opprimées. Et qu’ils utilisent le plateau comme un miroir véritable pour montrer les maladies qui ont frappé ces pays colonisés lors de la guerre de l’indépendance.
Pour sa part, la mise en scène, collaborant avec la dramaturgie des deux écrivains, utilise un langage dramatique moderne qui s’intéresse en premier lieu à l’imagination du lecteur-spectateur et aux nouvelles fonctions attribuées aux éléments scéniques qui composent la scène tel que l’éclairage, la musique, la capacité corporal et l’habilité de l’acteur. Par ailleurs, l’action dramatique devient de plus en plus liée au statut actuel.
La guerre de l’indépendance en Algérie et à Haïti incite les dramaturges à évaporer l’image triste des peuples qui ont souffert de la colonisation française. Par conséquent, une nouvelle influencée par les révolutions de libération dans le nord de l’Afrique surtout en Algérie et aux îles des Antilles, en particulier, à Haïti, aboutit à la renaissance de tous les genres littéraires : la poésie, le roman, et le théâtre. Les écrivains ont chanté la résistance dans leurs oeuvres. Beaucoup d’eux préfèrent présenter cette production littéraire en langue française, tandis que,
d’autres ont choisi la langue maternelle. Ceux qui préfèrent le français s’efforcent, non seulement de relater l’histoire de leur pays, mais surtout de justifier les mouvements d’indépendance et de libération.
Les deux dramaturges, Yacine et Césaire, ont mis la résistance dans un cadre classique, toutefois, ils n’ont pas échappé à l’application des principes du nouveau théâtre.
Chez l’Algérien Yacine, la lutte ou la résistance prend une forme collective, tandis que, chez le Martiniquais Césaire, elle prend une forme individuelle où son protagoniste subit toute la misère sociale pour se libérer et libérer son peuple.
Dans Le Cadavre encerclé de Yacine où l’action principale est inspirée des faits historiques de la manifestation du 8 mai 1945, lors d’une expérience personnelle du dramaturge, les traces classiques sont nombreuses. Dans la genèse de la pièce, Yacine a respecté, le découpage classique en actes où l’unité de lieu est respectée. Dans cet uniforme traditionnel, la pièce retrace l’agonie de Lakhdar qui poursuit deux quêtes paradoxalement complémentaires : le désir d’une femme et l’indispensabilité de la révolution. Le choeur classique qui prend une place privilégiée dans la trame dramatique est omniprésent dès le début. Selon la vision de Kateb Yacine, le choeur est une référence nécessaire pour que l’action s’installe dans un cadre tragique hérité de la Grèce antique.
Dans la structure dramatique, la parole du choeur prend parfois des accents épiques et s’insurge contre l’inauthenticité d’un monde oppressif et négateur de toute possibilité de libération.
La présence de la poésie ou des strophes lyriques dans le texte dramatique de la pièce est l’un des aspects classiques que nous trouvons dans ce théâtre tragique. Le dramaturge algérien s’est incliné à la poésie libre dès son enfance. À son avis la poésie est une façon d’être, une manière de vivre et une matière d’agir au point qu’elle s’identifie avec la révolution. Le conflit des générations l’un des thèmes dominants pendant la colonisation, le dramaturge l’a abordé dans cette pièce pour critiquer la politique des pères envers les fils et les ancêtres. Parmi les thèmes classiques qui se manifestent dans cette dramaturgie de guerre citons la jalousie, qui n’a pas de relation selon Yacine avec l’amour, parce que pour ses personnages l’amour est une quête gâchée. Par conséquent, suite à cet échec sentimental se produit une solitude dans laquelle le héros s’enfuit. En plus, il souhaite mourir afin d’échapper à la cruauté et l’agressivité de son amante. Le monologue traditionnel prend un nouvel aspect dans Le cadavre encerclé, il est émaillé de vers pour créer un soliloque où le héros exprime son état d’âme.
Dans Les ancêtres redoublent de férocité, les effets classiques sont presque les mêmes, et notamment la présence du choeur, dès le début, à l’avant-scène. Le symbolisme est partout, dans ce drame : l’oranger incarne par son statut, entre les oranges qui représentent à la fois les cadavres qui se répandent partout, une Algérie défiant la colonisation française arbitraire. Dans le même processus, la femme sauvage, reflète de son trait physique, la situation malheureuse de cette terre. La narration, en tant que procédé classique, apparaît interférante dans l’écriture Yacinienne, surtout dans cette pièce.
Parmi les souvenirs enfantins que l’auteur a mentionnés dans ses deux pièces, la relation d’amour profonde qu’il a eu avec sa mère, et l’état psychique de cette mère quand elle a su que son fils est arrête par la colonisation. Yacine fait revivre ce souvenir douloureux sous les traits de la mère folle de Mustapha.
D’autre part, dans le champ antillais, la révolution de 1791 apparaît comme une flamme conduite à produire une littérature féconde dans tous les genres. Cette épopée attire l’attention de beaucoup d’hommes de lettres, surtout, les dramaturges, par conséquent, trois oeuvres théâtrales chantent cette action, entre lesquelles se trouve une unité originelle à savoir : Haïti et sa révolution. Atitre d’exemple Aimé Césaire, Placoly et Glaissant, ont tous les trois pour but de dramatiser la scène historique de la révolution haïtienne. La dramaturgie césairienne, en particulier, a exalté un héros qui s’attache à cerner la représentation mythifiée de l’individu. Ainsi, dans les drames de Césaire, le héros tragique renoue avec le modèle antique, il apparaît comme une victime d’un jeu révolutionnaire Pour cela, il porte en lui, les revendications de liberté de tout un peuple en révolte. Il récrée un ordre ancien pour construire un monde nouveau. Mais, comme chez Yacine, il n’arrive pas à réaliser son objectif, le résultat en est qu’une pompe dramaturgique s’explose sur une mort inattendue de ce héros torturé.
Etant un dramaturge très engagé, Césaire, voit que la plume de tout homme de théâtre doit accompagner un acte politique, pour lui, le théâtre est le miroir fidèle qui doit transmettre les faits historiques dans un cadre plus large, en plus, l’incarnation scénique doit permettre de garder le peuple face à la scène directement. Par conséquent, il nous présente deux drames auxquels il théâtralise les faits historiques d’Haïti résistant contre un avenir inconnu après l’indépendance. Ses héros ou les chefs qu’ils ont choisis, pour traduire sa vision dramatique, doivent lutter beaucoup pour commencer une nouvelle ère bien civilisée de ce pays.
Le dramaturge martiniquais, comme son homologue algérien, met cette face de la résistance individuelle dans un portrait dramatique guidé par une réalité historique à Haïti et au Congo. Ses pensées portent aussi beaucoup de traces classiques dans la structure interne du texte.
Dans La tragédie du roi christophe beaucoup de signes classiques apparaissent dans le texte et placent cette lutte dans un cadre antique. Tout d’abord, le narrateur prend une nouvelle fonction, il se dédouble : un présentateur commentateur, en plus, le découpage en actes et en scènes donne à l’oeuvre un aspect classique, mais, d’une scène à l’autre, le personnage se change subitement du registre, d’ailleurs, l’emploi du latin dans les scènes d’église lors du couronnement de christophe confirme la trace de la tradition royale française restaurée par charles X.
Il est évident que le dramaturge martiniquais est un bon lecteur de la littérature anglaise classique et en particulier, les drames shakespeariens. Dans La tragédie du roi christophe, nous trouvons que ces figures sont inspirées de ce fameuxécrivain, comme par exemple, la romance d’Ourika, les vers libres de Metellus la veille de la guerre civile haïtienne, et les vers déclamés de Chanlette.
Une saison au Congo inscrit aussi des faits classiques en tant que drame historique qui s’articule autour d’un héros charismatique qui lutte contre deux blocs.
Dès le début, le découpage classique apparaît dans la subdivision en actes et en scènes indépendantes, chaque scène possède les indications particulières qui permettent au spectateur de participer au spectacle.
Selon cette dramaturgie, le chant se retrouve pour propager la matière historique du texte dramatique d’une part et pour donner au texte une couleur classique de l’autre. Le symbolisme prend une grande dimension tragique dans cette oeuvre africaine : c’est Mama Makosi qui représente le cerveau moteur de l’action et qui reflète l’image intellectuelle de la pièce.
L’aspect comique dans cette pièce surgit soudainement à travers le joueur de Sanza, un personnage clownesque qui apparaît à la fin de chaque scène pour résumer l’action ironiquement dans une strophe lyrique. Césaire plante un décor tout à fait classique : un écriteau qui descend du plafond sur lequel se dessine le décor nécessaire de l’action. Le choeur marque une présence classique, il représente, cette fois-ci le colonisateur. La tirade classique, Lumumba l’a utilisée pour faire une rétrospection pour remémorer la souffrance du peuple congolais sous les pieds de la colonisation belge.
Le dialogue est traditionnel dans sa forme ancienne où les répliques sont équilibrées. Dans le même processus, le monologue du roi congolais Kala Lubu est non moins classique. A la scène deux de l’acte trois, le symbolisme reparaît : Lumumba symbolise la colonisation par des oiseaux rapaces qui veulent ronger le corps de l’Afrique morte.
Les dramaturgies, objet de l’étude, ont inspiré leurs thèmes d’une vision historique qui prend une place prépondérante dans l’écriture théâtrale chez eux. Cette place réside dans la recherche d’une identité socioculturelle abordée lorsque l’affirmation d’une personnalité donnée sa force.
Dans les ancêtres redoublent de férocité, la femme sauvage est l’une des traces mythiques qui peut parvenir d’une légende algéroise comme l’a indiqué Jacqueline Arnaud.
À travers nos lectures, nous constatons que l’Algérie est un pays où les mythes et les légendes occupent une place essentielle. Les superstitions par la suite y sont courantes, par conséquent, les manifestations culturelles y sont répandues partout.
D’autre part, Césaire enrichit ses oeuvres dramatiques de l’histoire haïtienne et africaine. Chez lui, le thème révolutionnaire contribue à mettre en place une tradition de référence pour le théâtre africain et caribéen durant la deuxième moitié du XXème siècle.
Ces tragédies prennent la révolution de Saint- Domingue comme un prétexte dramaturgique et un point de départ d’une réflexion basée sur les conditions de se libérer des schémas hérités de la colonisation. En même temps, ces drames mettent en scène un héros qui est en prise non pas avec le conflit guerrier, mais, avec les problèmes de la société.
Les deux pièces de Césaire, objet de l’étude, sont placées dans deux postulations : les traditions négro-africaines et les principes de la tragédie classique. Ces oeuvres s’enracinent dans le monde négro-africain et traitent profondément ses problèmes. Césaire alimente ses pièces de la tradition africaine par le recours aux métaphores, aux dictions, aux proverbes. Son lexique est expressif. Il a recours souvent au néologisme et aux expressions savantes.
Dans La tragédie du roi christophe, le dramaturge martiniquais multiplie les images et les symboles propres au monde antillais et au langage africain, à chaque fois, que l’âme du héros s’exalte, christophe s’échauffe et le ton de sa voix atteint la poésie, par conséquent, sa langue devient musicale.
De nos lectures, nous déduisons que, la vie intellectuelle aux Antilles, surtout, à Haïti, repose sur la production dramaturgique d’Aimé Césaire. Il respecte fidèlement les trois unités dans la structure en considérant l’histoire comme une source où se tisse la matière dramatique. Dans son monde, Césaire élève le peuple haïtien au niveau du mythe.
Les deux dramaturges, Yacine et Césaire font monter sur l’estrade un héros dépouillé des caractères tragiques, mais, en conserve un arrière historique et social intéressant chez le lecteur- spectateur. Leurs héros portent des figures luttantes, ils résistent pour plus d’objectifs publics, ils n’ont pas de but particulier.
Dans le théâtre francophone de Yacine et de Césaire, le personnage est un type social ou politique qui possède des caractères communs. Il incarne l’homme de son temps qui est toujours en combat individuel ou collectif afin d’avoir une identité, bâtir une nouvelle nation et conquérir l’indépendance pour sa patrie.
Toutefois , il néglige son propre but , il porte en lui , l’esprit de l’héroïsme qui l’incite à progresser , mais il confronte un tas de problèmes à l’intérieur et à l’extérieur , il est trahi , surtout , de ses proches et mort enfin sans réaliser aucun but .
En fait, les dramaturges, objet de notre étude, ont choisi un modèle social qui a souffert beaucoup de la tyrannie, pourtant, il a l’esprit résistant qui le pousse à parvenir à l’ultime point de la gloire.
Le dramaturge algérien présente des types de personnages, qui sont en premier lieu des modèles simples de sa société décadente et opprimée, mais ils incarnent avec excellence la résistance contre l’ennemi français .Bien qu’ils n’aient pas une face historique comme ceux de Césaire, mais, ils possèdent, dans la mémoire de l’auteur, une image héroïque qui guide le peuple Algérien à l’indépendance.
Dans le cadavre encerclé, Lakhdar, en tant que personnage solitaire, est menacé par l’angoisse et la mort. D’après sa situation agonique, dans le long monologue d’ouverture, il nous fait assister à une longue narration descriptive en guise d’exposition. Avant le lever du rideau : le drame s’ouvre sur un témoignage historique, dont Lakhdar consiste une part principale à travers son expérience personnelle du massacre de la rue des Vandales. Il se met à exprimer son désespoir et ses intentions de lutter contre la situation qu’il dénonce, à ce moment-là, il se laisse aller à un jeu de confidences aux spectateurs. Tout au long de la pièce, il continue à s’exprimer sous une forme délibérément lyrique, pour cette raison, il ne cache ni sa détermination ni ses sentiments de colère et de ferveur. Le locuteur voit que le héros est le porte- parole du peuple et annonce depuis son agonie ses intentions de continuer le combat.
Nous avons aussi conçu que , Yacine nous met devant l’un des principes de la poétique des formes du drame moderne et contemporain, c’est le mélange entre le mode épique et le mode lyrique dont le monologue d’ouverture a pour objet de témoigner le drame intérieur : c’est celui d’un héros à l’agonie, et du drame de toute une collectivité.
Le héros yacinien recourt toujours à la poésie pour exprimer le mal de la guerre .Ce héros a un seul but : la liberté, mais, il n’y arrive pas, son rêve de voir son pays libre et indépendant est assimilé à un espace maternel, dont La Femme-Mère est une figure évoquée dès le début.
En fait, les figures de la mère apparaissent tout au long de l’oeuvre, tout d’abord, elle est la victime de l’histoire dont, elle porte le masque de la folle évadée, tel que, la Mère de Mustapha. C’est une figure qui contribue à fragmenter l’oeuvre. Puisqu’ elle est un exemplaire de la séparation.
Nous avons conclu encore que, le lyrisme est un régime privilégié de l’expression du personnage de Nédjma Chez Yacine .Dès son apparition, ses premières paroles lyriques sont devancées par une didascalie de désarrois, son discours ne diffère pas de celui de Lakhdar puisque les deux sont métaphoriques, mais le texte poétique de Nedjma est concentré, tandis que, celui de Lakhdar obéit à une logique de l’expansion.
Nédjma, dans ce drame guerrier, choisit l’élan amoureux qui caractérise le lyrisme pour exprimer son angoisse qui est issue de l’absence de son amant. Par conséquent, son poème traduit les conséquences tragiques du sacrifice héroïque. Marguerite, c’est un personnage significatif, elle vit toujours séparée de la société, d’ailleurs, elle ne peut pas assumer le passé qu’elle réprouve, en même temps, elle reflète l’image négative de son père. Dès son apparition. Elle apparaît généreuse.
La vision des Algériens, pour ce personnage, évoque son caractère. Tout au long de la pièce, Marguerite est protégée par l’amitié de Lakhdar qui la voit une figure féminine active.
Le choeur, dès le début jusqu’à la fin, paraît être subdiviser en deux : hommes et femmes, il s’unifie et se disperse selon la situation, dans quelques parts, sa position devient ambiguë. Mais en général, c’est un choeur actif par sa voix pour reprendre toutes les tribulations que vivent les personnages.
Dans Les ancêtres redoublent de férocité, la femme sauvage porte les mêmes caractéristiques que Lakhdar et Nedjma. Elle a l’esprit héroïque pour des jeunes filles qui guident le peuple vers la guerre de l’indépendance.
En guise de conclusion, le dramaturge algérien, a présenté des personnages- types. Bien qu’ils aient l’esprit de résistance, mais, ils perdent le sentiment d’amour qui aurait pu leur réaliser la stabilité psychique.
Dans la dramaturgie du martiniquais Aimé Césaire, porte sur des personnages sont chefs, politiciens ou leaders. Ils issus de l’histoire réelle de la révolution haïtienne, lors de laquelle la colonie noire connaît le soleil de la liberté. Ces héros ont un passé historique glorieux. Les deux héros césairiens, que nous avons présentés dans l’étude, ont rencontré beaucoup de difficultés vers le chemin de l’indépendance globale.
Le héros césairien incarne le noir qui a souffert beaucoup sous la tutelle de la colonisation, cette souffrance réside dans le refus de souffrir et s’ouvrir par son essence contestataire sur la révolution et la liberté. Ce protagoniste porte dans son intérieur l’esprit militant qui lui donne l’audace de lever sa tête devant le blanc. Il vit parmi son peuple comme un cerveau –moteur de la révolution. Comme son homologue yacinien, le héros de Césaire est un symbole puisqu’il représente l’image réelle du dramaturge qui menait la vie de servitude.
En somme, en comparant entre les personnages de Yacine et ceux de Césaire, nous avons trouvé qu’ils divergent dans les points ci-dessous :
Les personnages yaciniens ont eu recours au monologue lyrique accompagné de vers poétiques pour exprimer leur for intérieur. Bien qu’ils aient le sentiment d’amour, ils n’arrivent pas à en profiter à cause de leur esprit résistant qui domine. Ceux de Césaire sont dépouillés de ce sentiment parce qu’ils possèdent un passé historique qui les empêche de l’exprimer devant le peuple.
Nous avons mis en relief la convergence entre les deux héros de Césaire : ils vivent à peu près les mêmes situations, les mêmes conflits. christophe et Lumumba sont passionnés par leur projet qui est l’affaire de leur vie. Le premier veut rendre la fierté à ses concitoyens jadis soumis : il veut fonder une nation nègre digne d’admiration. Le second veut, aussi, construire un autre Congo, il veut une nation congolaise sans tribalisme, mais des Congolais dignes et libres. Bien qu’ils soient tous négligents et solitaires face au combat qu’ils mènent, la grandeur de leur projet et la manière de le réaliser provoquent une rupture avec leur entourage. Ils vivent une solitude progressive qui aboutit à un échec et à une fin tragique.
Malgré l’influence classique dans la structure textuelle chez Yacine et Césaire, les pièces choisies, objet de l’étude, touchent, dans quelques parts, les principes du nouveau théâtre où le tissu dramatique, chez les deux dramaturges, inscrit des étapes importantes dans la forme extérieure.
Chez Yacine, ses deux pièces marquent plusieurs aspects nouveaux tels que, la forme circulaire de l’action et les personnages qui créent son univers particulier de leurs propres capacités. Chez lui, tous les éléments théâtraux qui composent le texte prennent une nouvelle forme , surtout , la tirade qui s’enrichit de strophes lyriques afin de créer un soliloque qui aide le héros à s’enfuir de son entourage douloureux , en même temps ,le recours aux figures rhétoriques dans le contenu dramatique comme ; l’analeps , l’ellipse , la répétition et la simultanéité , aboutità une intertextualité . D’ailleurs, l’éclairage qui se focalise sur une seule action, prend une nouvelle fonction où l’emploi du projecteur crée une atmosphère cinématographique. Les personnages se dédoublent parfois pour assumer plus d’une incarnation pour économiser dans l’air scénique. En plus, ces êtres, qui portent une figure symbolique et héroïque, ne meurent jamais sur l’estrade. Ils ressemblent ceux de Beckett ou d’Adamov. Yacine, dans ses pièces, objet de l’étude, permet au personnage d’exploiter sa capacité gestuelle, vocale et corporelle pour créer un homme réel capable d’exprimer l’image flagrante de l’homme algérien qui a souffert de la tyrannie coloniale.
D’autre part, les deux pièces de Césaire, restent fidèles également au modèle classique dans la forme extérieure où la lumière, le décor et l’éclatement de l’espace, sont traditionnels. Malgré cela, ses deux drames inscrivent peu d’aspects nouveaux dans le contenu textuel, tels que, la forme cyclique de l’action ainsi que, le recours au chant pour briser l’ennui du dialogue traditionnel.
L’hybridation est un phénomène littéraire qui se produit par l’interférence de deux langues dans le même texte dramatique, c’est ce que nous avons trouvé chez Yacine où le français et l’arabe parlé s’interfèrent, tandis que, chez Césaire, ce sont le Créole et le français.
Le recours à la poésie et à la musique est le seul moyen chez Yacine afin de briser le français dans ses oeuvres. De même, Césaire à notre avis, a utilisé le créole pour s’enfuir de l’identité française vers l’originalité haïtienne.
Le dramaturge algérien et son homologue martiniquais font glisser l’espace dans les mots proférés des personnages ou dans les objets scéniques indiqués sur l’estrade, les deux laissent au lecteur spectateur de le dégager à travers ses signes dramatiques et scéniques.
Tout au long de notre étude, nous avons constatons que, les deux écrivains se rencontrent dans plusieurs points de vue. Leurs pièces sont inspirées de sources tragiques traditionnelles historiques et mythiques. Le héros, chez eux, apparaît tragique, il subit tout le malheur physique et social pour lutter à l’intérieur et à l’extérieur afin de se libérer et libérer son peuple, il porte une destinée commune en négligeant la sienne. Les deux écrivains ont recours au symbolisme pour mettre en exergue la barbarie de la colonisation.
Yacine donne au geste, à la voix, et au langage des nouvelles fonctions dans son tissu dramatique. Tandis que, Césaire restreint dans la forme classique antique en respectant les trois unités.
Pour théâtraliser l’espace de l’action, les deux cachent l’espace derrière les mots et les phrases, surtout, Yacine, en laissant au lecteur spectateur d’imaginer les éléments qui composent cet espace.
Enfin, loin des sens de l’héroïsme, de l’honneur, et du véritable courage militaire, le message de leurs textes dramatiques réside dans le fait qu’ils veulent , à notre avis, dramatiser la résistance pour planter l’esprit héroïque et la victime à l’âme du spectateur, glorifier le rôle des guerriers et transmettre l’expérience de la souffrance aux générations futuristes, d’une part et d’autre part pour réaliser la paix ,autrement dit, pour que les Etats évitent les atrocités de la guerre.
En fait, la simplicité de Yacine et la sincérité de Césaire ont réussi à lever le drapeau de la liberté face au despotisme colonial, en brossant une image réaliste de leur pays. Ces deux dramaturges ont rêvé d’enfanter un nouveau monde où règnent la paix, la justice et la liberté.
Grâce à la grande convergence, entre le contenu dramatique chez Yacine et Césaire, nous affirmons que, les quatre pièces se complètent pour nous représenter l’image vraie de la résistance. Et pour conclure, nous notons que, grâce à ces oeuvres, est née une nouvelle tendance qui vise à dramatiser l’histoire à travers l’image fidèle de la scène.